Paris Fashion Week: Highlights der Frühjahr-Sommer-Shows 2025

Anmerkung des Herausgebers: CNN Style ist einer der offiziellen Medienpartner der Paris Fashion Week. Die gesamte Berichterstattung finden Sie hier

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Welche Rolle kann Mode in düsteren Zeiten spielen? Während Frankreich – und ein Großteil Europas – mit dem scheinbar unaufhaltsamen Aufstieg rechtsextremer Parteien, schlagzeilenträchtigen Klagen im Zusammenhang mit der #MeToo-Bewegung und dem weltweiten Abschwung im Luxussektor zu kämpfen haben, haben Designer auf der Paris Fashion Week, die am Dienstag ihren Höhepunkt erreichte, zu kämpfen , hielt es für an der Zeit zu fragen.

Der Gedanke an das Erbe beruhigte einige, während andere den Surrealismus und anspruchsvollere Designs in Kollektionen aufgriffen, die den Wunsch nach Flucht widerspiegelten.

Bei Chloé baute Chemena Kamali ihre Boho-Chic-Fantasie weiter aus und interpretierte das Ethos der Gründerin neu. Basierend auf „der Essenz der Wurzeln von Chloé als Ausgangspunkt“ umfasste die Kollektion Blumendrucke, Spiele mit „Flou“ (gerüschten Hemden), Faltenärmeln, wogenden Blusen und Ballerinas mit Spitze für einen luftigen Charme, für den das Haus seit langem bekannt ist für.

Valentino veranstaltete am Sonntag seine mit Spannung erwartete Show, die erste, die vom neuen Kreativdirektor des Labels, Alessandro Michele, entworfen wurde, der von Gucci ins Haus kam. Michele stöberte in den Archiven von Valentino, insbesondere in dessen Blütezeit in den 70er-Jahren, und kam mit einer Vintage-inspirierten Kollektion hervor, die reich an Details war: von Schleifen, Tupfen und Spitzenhandschuhen bis hin zu Pailletten – Schnörkel, die vielleicht nur außerhalb der Kamera sichtbar sind.

Auch bei Alexander McQueen stand die Markengeschichte im Mittelpunkt, wo Seán McGirr seine zweite Kollektion für das Label zeigte. Die Show zeigte die mythische Figur der „Banshee“, die der Gründer selbst in den 1990er Jahren zitierte, und vertiefte sich in gotische, maßgeschneiderte Linien mit schweren Plateauabsätzen – eine Anspielung auf die DNA des Hauses.

Eine andere Art von Retro erschien in Form eines Indie-Sleaze-Revivals – der Popkultur-Periode, die von 2006 bis 2012 von Indie- oder Alternative-Bands dominiert wurde – bei Ann Demeulemeester. Entworfen von Stefano Gallici, gab es neuromantische Akzente in Form von Rüschenkragen, transparenten Spitzenstoffen und zerzaustem Schnitt. Es war „ein tiefer Einblick in meine Teenagerjahre … das Leben mit meiner Band“, sagte Gallici hinter der Bühne.

Als das berühmte Centre Pompidou der Stadt dieses Jahr den 100. Jahrestag der Geburt des Surrealismus feierte – einer Bewegung, die mit dem Aufstieg des Faschismus in Europa und einem allgemeinen Gefühl des Bedeutungsverlusts zusammenfiel – scheint es, dass die künstlerische Periode nicht nur Kuratoren inspiriert aber auch Modedesigner.

Es war das Thema der Kollektion von Alphonse Maitrepierre, die USB-Sticks, Spielekonsolen-Controller und Computerbildschirme als Schmuck und Oberteile integrierte.

„Ich habe gefragt, wie die (surrealistische) Bewegung heute aussehen würde“, sagte er hinter der Bühne vor der Show. „Es wäre sicherlich eine Bewegung, die viel nerdiger oder geekiger wäre, mit neuen Technologien, die leicht zugänglich wären.“

Wenn der Surrealismus die Bedeutung von Alltagsgegenständen verdreht, dann lieferten die Pariser Ausstellungen einen Riesenerfolg: bei Issey Miyake wurden Pullover umgedreht und in Kleider verwandelt, bei Ottolinger wurden funktionelle Kleidungsstücke ausgetauscht, wo Hemden dekonstruiert und Kragen als Verzierungen getragen wurden, und bei Paloma Wolle, wo Strickwaren auf den Kopf gestellt wurden.

Copernis Show hatte auch etwas Surreales. Bei der Inszenierung im Disneyland trugen die Models Absätze und Handtaschen in Micky-Maus-Form, Hörner an den Schuhen und andere von Disney inspirierte Details, die den Eindruck einer kindlichen Kollektion erweckten. Backstage verwiesen die Designer Sébastien Meyer und Arnaud Vaillant auf „einen Kindheitstraum, persönliche Erinnerungen, (um) von Unschuld zu sprechen, (…) um Bösewichte zu spielen, einen Moment, in dem man Angst und Gefahr entdeckt.“ Sie arbeiteten mit den „Imagineern“ von Disneyland zusammen, um dem ikonischen Dornröschenschloss des Parks eine zusätzliche Wendung zu verleihen, einschließlich dramatischer Beleuchtung, Flammen und Feuerwerk.

Im Grand Palais schickte ein Designer-loser Chanel eine Kollektion voller zarter Stickereien und aufwendiger Federarbeiten, die gemeinsam vom hauseigenen Studio entworfen wurden. Transparente Umhänge, mehrlagiger Tweed und Karos; Röcke mit Schlitzen, Fransen und Pailletten zelebrieren „Zartheit, Leichtigkeit und Bewegung“, so das Studio, eine zarte Demonstration der Handwerkskunst oder „Metiers d'Art“, für die Chanel am besten bekannt ist.

Auch Dries Van Noten präsentierte eine Kollektion ohne Designer und präsentierte KreationS Hommage an den Gründer, „Geschätzte Erinnerungen an Dries Van Noten als Fortsetzung und neue Perspektive.“ Die Sprache des Designers mit Flüssigkeit und Leichtigkeit beurteilen, bewundern und neu interpretieren“, erklärten die Shownotizen. Dessous-Teile, übergroße Blazer, fließende Slip-on-Kleider und Bermudashorts wurden mit Stickereien, Python- und Blumendrucken sowie leuchtenden Farbtupfern neu interpretiert und ergaben eine typische Dries-Kollektion.

Während in verschiedenen Häusern Gerüchte über Ankünfte und Abgänge die Runde machen, beweisen diese Sammlungen, dass ein Studio sowohl auf die Geschichte eines Hauses als auch auf die Bedürfnisse der Kundschaft abgestimmt werden kann.

Stella McCartney inszenierte eine Show, die zu 91 % recycelbar war, und zeigte eine Kollektion, die Partystücke, Herrenmode und ein wiederkehrendes Vogelmotiv auf bedruckten Seidenstoffen und Halsketten kombinierte – ausgewählt, um gegen deren Verwendung in Kleidung zu protestieren. „Ich habe an die Milliarden Vögel gedacht, die für die Modeindustrie getötet werden. Für mich stehen sie für Freiheit, Reinheit und Frieden“, sagte McCartney hinter der Bühne über ihre Inspirationen. „Es geht darum, eine Leichtigkeit der Berührung hervorzuheben, diese Weiblichkeit und diesen Flug, diese allgemeine Art von Schwerelosigkeit zu haben … und ‚den Mann‘ darin zu haben … Die Balance zwischen beiden.“

Andreas Kronthaler für Vivienne Westwoods Sammlung war dem Umweltaktivisten Paul Watson gewidmet, der derzeit in Grönland im Gefängnis sitzt, weil er wiederholt versucht hat, die Waljagd zu stoppen. Auch das Ethos von Dame Vivienne wurde gefeiert und in einer Kollektion neu erfunden, die damenhafte Akzente mit Industrial vermischte und uns daran erinnerte, dass Punk über Kleidung hinausgeht.

Auch junge Labels versuchten, kreative Lösungen für die oft verschwenderische Natur der Modebranche zu finden: Hodakova aus Germanier und Stockholm arbeitete an Restbeständen und Auslaufmodellen, um neue grüne Lösungen und Umweltbewusstsein in ihre Arbeit einzubringen.

Der amerikanische modernistische Architekt Louis Sullivan sagte bekanntlich: „Form folgt Funktion“, und Funktionalität war in dieser Saison sicherlich reichlich vorhanden. Junya Watanabe entwarf Kleidung, die von Gegenständen inspiriert war, die beim Trekking und Klettern verwendet wurden, mit zahlreichen Reißverschlüssen und Riemen, die in futuristische, skulpturale Silhouetten integriert waren.

Dior zeigte eine weitere dem Sport gewidmete Kollektion – eine Hommage an Leistung, Sportlichkeit und die Bedürfnisse eines Körpers in Bewegung, mit einem wiederkehrenden Augenzwinkern an die Antike – begleitet von der in London lebenden Künstlerin und Bogenschützin Sagg Napoli (Pseudonym von Sofia Ginevra Giannì), die geschossen hat Pfeile über die Landebahn.

Miu Miu bot adrette Modelle, praktische Socken, Schuhe, junge oder sportliche Unterwäsche und Kleidungsstücke für unterwegs an, in Anspielung auf eine Art gehobenen Realismus. Backstage besprach Miuccia Prada diese Show in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Goshka Macuga (mit der sie während der Art Basel 2024 erneut zusammenarbeiten wird): „(Wir sind) beide Teile derselben Welt, (…) es funktioniert immer, weil wir daran interessiert sind.“ Realität, im Heute“, was sich in Stücke umsetzte, „die man tragen kann (…) Es war unsere Art, spontan zu sein.“

Sexy Weiblichkeit und „les femmes fatales“

Saint Laurent war jedoch auf einer anderen Wellenlänge: „Die Saint Laurent-Frau liebt es, dunkleren Neigungen nachzugehen, und hat eine Anziehungskraft auf Gefahr und Vergnügen.“ sagten die Shownotizen, die zum Erscheinen von führten Femmes Fatales Abgeleitet von Retro-Thrillern, gekleidet in alles Mögliche, von übergroßen Anzügen bis hin zu bis zum Nabel aufgeknöpften Blusen oder hauchdünnen, figurbetonten Ensembles – ein Spiel mit Kontrasten, das sich Yves Saint Laurent selbst hätte ausdenken können.

Das Haus war nicht allein. Bei Balenciaga wurde die Show mit Trompe l'oeil eröffnet Dessous, Stickereien auf hautfarbenem Stoff oder Strümpfe und High Heels gepaart mit einer Bomberjacke mit Korsettdetails. „Der Dessous-Look war ein Teil von mir, den ich in meiner Arbeit nie wirklich gezeigt habe, meine Ästhetik basiert nicht sehr auf diesem sehr direkten Sexappeal oder Zerbrechlichkeit und Spitze und Verzierungen“, sagte Demna (Gvasalia) nach der Show und fügte hinzu dass er nach „etwas Sinnlichem, Erotischem suchte, das ich nie wirklich zu zeigen versuchte, das aber schon immer Teil dessen war, wer ich als Designer bin.“

Die Inspiration für Atlein basierte auf dem Dokumentarfilm ”Rebel Dykes“ von Siân A. Williams und Harri Shanahan. „Der Film fängt die lebendige Kreativität, Politik und Sexualität der Punk-Lesben im London der Thatcher-Ära, die Punk- und Post-Punk-Codes der Bewegung und ihre fetischistischen Elemente ein“, so der Designer Antonin Tron erklärte in den Shownotizen die Kollektion, in der er Armeestiefel und geschlitzte Lederröcke kombinierte, um harte und sexy Elemente zu vereinen.

Wenn Mode ein Raum zum Eingehen von Risiken ist, dann, in Demnas Worten, „um einen Standpunkt zu vertreten“ – und vielleicht auch, um auf die Paradoxien und Widersprüche hinzuweisen, mit denen Frauen täglich konfrontiert sind.